Il tumulto politico della Germania degli anni '1920 contribuì a far nascere un nuovo genere di registi: gli espressionisti del cinema di Weimar. La nascente industria cinematografica europea fu devastata dalla prima guerra mondiale, consentendo agli Stati Uniti di dominare la produzione cinematografica del dopoguerra. Ma i film americani del dopoguerra erano più interessati al volume e al profitto che all’arte o allo stile. Hollywood ha sfornato circa 800 film all'anno negli anni '1920, per lo più film leggeri come commedie slapstick, drammi romantici o film d'avventura di cappa e spada. Erano enormemente popolari tra il pubblico cinematografico, ma facevano ben poco per testare i confini del mezzo.
I cineasti tedeschi hanno preso una strada diversa, in gran parte per necessità. L'instabilità politica e sociale della Germania di Weimar, per non parlare delle sue carenze economiche, ebbero un profondo impatto sulla cultura tedesca del dopoguerra. Emerse un nuovo movimento culturale, in seguito descritto come espressionismo tedesco. Ciò era più evidente nel cinema, che si riprese rapidamente negli anni ’1920, quando i tedeschi comuni cercavano evasione e intrattenimento a buon mercato. Non potendo permettersi gli enormi set, i costumi sontuosi e gli estesi oggetti di scena dei film di Hollywood, i registi tedeschi cercarono nuovi modi per trasmettere atmosfera, stato d'animo ed emozioni. Hanno anche esplorato temi molto più oscuri di quelli di Hollywood: criminalità, immoralità, decadimento sociale e poteri distruttivi del denaro e della tecnologia. L'espressionismo tedesco ha dato vita a due nuovi generi cinematografici: il film horror gotico e film noir (thriller polizieschi che esplorano gli aspetti più oscuri del comportamento umano).
Alcuni dei più noti film espressionisti tedeschi erano:
Il gabinetto del dottor Caligari (1920). Uno dei primi film horror della storia, Il gabinetto del dottor Caligari racconta di un mistico e del suo compagno di scena, un sonnambulo che può predire il futuro. Il film ha fatto ampio uso di luci, ombre e stili artistici espressionisti nei suoi set e fondali. Presentava anche un finale "colpo di scena", forse il primo nella storia del cinema, con l'intera storia che si rivelava essere il delirante flashback di un paziente mentale.
Nosferatu (1922). Sottotitolato Eine Symphonie des Grauens ("Una sinfonia di terrore"), Nosferatu è stato il primo film di un genere che oggi è abbastanza comune: il film sui vampiri. Nosferatu è apparentemente una rivisitazione di Bram Stoker Dracula, anche se i nomi dei personaggi furono cambiati (il regista FW Murnau non ne possedeva i diritti). Girato con un budget limitato e con una sola fotocamera, Nosferatu utilizza luce, ombra, tempo, movimento e suspense per ritrarre l'orrore, piuttosto che set complessi o effetti speciali. Il personaggio principale, il vampiro Orlok, viene mostrato come una ripugnante creatura simile a un topo, piuttosto che come i vampiri aristocratici ben parlanti dei film futuri.
Phantom (1922). Un altro film di FW Murnau, Fantasma non ebbe lo stesso successo né la fama di Nosferatu. in Fantasma, la vita del protagonista Lorenz viene irrevocabilmente cambiata dallo sguardo di una donna e dal richiamo distruttivo del denaro. Lorenz inizia la ricerca della donna, un percorso che porta a grandi spese, debiti, crimini e omicidi. Raccontato in flashback, Fantasma utilizza tecniche espressioniste (come la doppia esposizione) per trasmettere la confusione e il collasso delle emozioni di Lorenz. Nella scena più memorabile, gli edifici sembrano inclinarsi su Lorenz, soffocandolo e minacciando di crollare.
The Last Laugh (1924). Un altro film di Murnau, il personaggio principale di The Last Laugh è un portiere dell'Atlantic Hotel, che dopo anni di servizio viene retrocesso al ruolo umile di addetto ai bagni. Imbarazzato per la perdita di una posizione prestigiosa, nasconde la notizia a familiari e amici. Lo scoprono, però, e lo mettono in ridicolo. Murnau ha fatto un uso creativo degli angoli di ripresa e del movimento L'ultima risata. Le prime riprese sono girate da prospettive basse, facendo sembrare grandi e importanti sia l'hotel che il suo portiere. Successivamente, la telecamera viene montata su un'altalena e sembra fluttuare nell'aria. La storia è raccontata interamente anche senza intertitoli, la prima volta che ciò è stato fatto in un film muto.
Metropolis (1927). Probabilmente il film espressionista tedesco più noto, Metropoli è in parte fantascienza e in parte allegoria sociale. Descrive una società futura in cui i cittadini sono stati divisi in due classi distinte: l'élite, che vive una vita di svago al sole, e i lavoratori, che faticano monotonamente sotto terra. La trama è incentrata su due donne: la compassionevole Maria, che vuole riconciliare i lavoratori con la classe dirigente; e il robotico Hel, programmato per distruggere la città. Metropoli era un progetto incredibilmente ambizioso per il suo tempo. È costato circa cinque milioni di marchi, ci sono voluti diversi mesi per filmare e impiegato fino a extra 300. Si è rivelato impopolare per i frequentatori di film ma è stato applaudito dalla critica ed è considerato un precursore dei moderni film di fantascienza.
M (1931). Diretto anche da Fritz Lang, M aveva una trama straordinaria per l'epoca. Hans Beckert (interpretato da Peter Lorre) è un pedofilo e assassino di bambini, perseguitato sia dalla polizia che dalla malavita berlinese. Viene catturato per primo dai criminali della città e sottoposto a un finto processo. Affrontando i suoi rapitori, Beckert spiega cosa lo spinge a commettere i suoi crimini, chiedendo: "Chi sa cosa vuol dire essere me?" M non solo fece uso di stili espressionisti, ma introdusse anche tecniche cinematografiche che sono ancora utilizzate oggi nei film polizieschi.
Il cinema espressionista tedesco influenzerebbe la produzione cinematografica in tutto il mondo, compresi gli Stati Uniti. Nel 1923, gli Universal Studios di Hollywood produssero il loro primo acclamato film horror, Il gobbo di Notre Dame, interpretato da Lon Chaney nel ruolo di Quasimodo. Il regista, Wallace Worsley, aveva precedentemente sfornato dozzine di drammi e commedie leggere, ma arrivò ad ammirare e prendere in prestito molto dai registi tedeschi, in particolare da Murnau. Anche i futuri film di Hollywood utilizzavano temi e tecniche espressioniste, tra cui il fantasma dell'opera (1925) Il mostro (1925) e i film sui vampiri Londra dopo mezzanotte (1927) e Dracula (1931). Alcuni registi tedeschi hanno attraversato l'Atlantico e hanno lasciato il segno a Hollywood. Paul Leni si recò negli Stati Uniti nel 1927 su invito degli Universal Studios, per i quali girò diversi film. Il migliore di questi, Il gatto e il canarino (1927) combinò l'elevato contrasto e lo stile dell'espressionismo tedesco con le convenzioni cinematografiche americane. Fritz Lang, il direttore di Metropoli, fuggì dalla Germania in 1934 (Lang era parzialmente ebreo e alcuni dei suoi film non erano popolari con la gerarchia nazista). Alla fine è atterrato a Hollywood, dove è diventato cittadino americano e ha diretto altri film 21.
1. I disordini sociali e le carenze economiche di Weimar hanno dato origine all’espressionismo nel cinema tedesco.
2. Non potendo permettersi cast o set di grandi dimensioni, i registi hanno cercato tecniche diverse per rendere stile, personaggio ed emozione.
3. I registi espressionisti si preoccupavano di trame e temi più oscuri, inclusi l’horror e il crimine.
4. I registi espressionisti manipolarono anche componenti tecniche, come la luce, il contrasto, gli angoli di ripresa e il movimento.
5. Questi registi e le loro innovazioni hanno influenzato i più ricchi e prolifici studi cinematografici di Hollywood.
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Questa pagina è stata scritta da Jennifer Llewellyn, Jim Southey e Steve Thompson. Per fare riferimento a questa pagina, utilizzare la seguente citazione:
J. Llewellyn et al, “Weimar cinema”, Alpha History, 2014, accesso [data odierna], http://alphahistory.com/weimarrepublic/weimar-cinema/.